Los 25 mejores thrillers psicológicos de todos los tiempos

emalia
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 Desde Hitchcock hasta Fincher, estas son las películas que seguramente se te quedarán en la cabeza.


Se podría decir que vamos al cine en primer lugar por la emoción. El deseo de experimentar nuevas historias, de ponernos en el lugar de otra persona, de vivir eventos emocionantes que de otro modo nunca serían posibles. Anhelamos el escapismo.


Pero de eso no se tratan los thrillers psicológicos. Los thrillers psicológicos se centran menos en la aventura y la amenaza externas y más en los mundos interiores de héroes y villanos cuya comprensión de la realidad está peligrosamente cerca de fallar. Son historias de paranoia, delirio, fobias y abuso. Explotan las ansiedades de la audiencia mientras brindan una catarsis muy necesaria, sacando a la luz nuestros miedos y revelando que pueden ser conquistados o, al menos, tener una validez genuina.


Sin embargo, puede ser difícil precisar qué películas son thrillers psicológicos y cuáles son solo thrillers en los que los personajes están motivados por su propia psicología personal. Al igual que muchos géneros de narración de historias, los criterios pueden ser un poco confusos, y no nos obsesionaremos con eso. En cambio, solo nos vamos a centrar en las películas que creemos que son absolutamente, 100% emocionantes y absolutamente, 100% arraigadas en la ansiedad psicológica.


Estas son nuestras selecciones de los mejores thrillers psicológicos jamás realizados, con una sola advertencia: solo hay una película de cada director, porque algunos cineastas hacen de este género una industria casera, y es importante compartir tantas películas brillantes desde tantas perspectivas diferentes. como sea posible.


Gaslight de George Cukor no es solo un thriller psicológico, es oficialmente sinónimo de manipulación y terror. Literalmente, el mismo título de esta película ha entrado en el léxico popular para describir una forma de abuso psicológico. Ingrid Bergman interpreta a una joven cantante de ópera que conoce al amor de su vida, un apuesto caballero mayor interpretado por Charles Boyer. Pero apenas se casan y se mudan a la casa de Londres, la relación se convierte en una pesadilla. Nuestra heroína, al parecer, está perdiendo la cabeza. ¿O es ella?


Gaslight es una nueva versión de un thriller británico de 1940, que casi se perdió en la historia después de que MGM compró los derechos de la nueva versión e intentó destruir los negativos originales. Y si bien puede tener giros que parecen telegrafiados hoy, ahora que todos sabemos qué es el "gaslighting", el corazón sombrío y enojado de la película todavía bombea. La actuación ganadora del Oscar de Bergman, como una mujer empujada al borde de su resistencia mental, es vulnerable y cruda, atrapada y desgarradora, cautivadoramente genuina, y la retorcida villanía de Boyer siempre pondrá la piel de gallina.


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Ningún catálogo de los grandes thrillers, psicológicos o de otro tipo, estaría completo sin Alfred Hitchcock, cuyas películas transformaron y con frecuencia ejemplifican el género. Rope, Spellbound, Shadow of a Doubt y Vertigo posiblemente merecen su propia entrada aquí, pero si tenemos que reducir la obra de Hitchcock a un clásico atemporal, Rear Window merece ese honor.


La ventana trasera está protagonizada por James Stewart como un fotógrafo en busca de emociones, ahora atrapado en su apartamento, y volviéndose un poco loco después de romperse las piernas en un accidente relacionado con el trabajo. Así que se divierte espiando a sus vecinos, cada uno de los cuales tiene sus propias personalidades y debilidades. Es una obsesión que enfurece a su novia, interpretada por Grace Kelly, y que puede ir demasiado lejos, ya que está bastante seguro de que acaba de ver a uno de sus vecinos asesinar a su esposa. Quizás. Un tanto.


Hitchcock filma toda esta película desde el interior del departamento de Stewart, limitando el rango de movimiento que esperamos de una película, creando un ambiente claustrofóbico y transformando a todos en mirones. Al solo presenciar lo que ve nuestro héroe, ni siquiera pensamos en cuestionar su interpretación del crimen. Entonces, cada vez que cualquiera de los otros personajes señala cuán escasa es la evidencia real (y de hecho es escasa), nos vemos obligados a negar la lógica y caer en la mentalidad paranoica de nuestro héroe o admitir a regañadientes que es posible que nos hayan engañado inteligentemente.


El ingenioso y sensual thriller Les Diaboliques de Henri-Georges Clouzot está protagonizado por Véra Clouzot como la sufrida esposa de un marido abusivo, interpretada por Paul Merisse. Está tan aislada que su única amiga es la amante de su marido, interpretada por Simone Signoret, porque es la única otra persona que entiende el monstruo que es. Qué situación tan retorcida e inesperada en la que encontrarse; es exactamente el tipo de relación de olla a presión que parece probable que conduzca al asesinato.


Lo cual, por supuesto, lo hace. Al principio, todo va a las mil maravillas. Y entonces... el cuerpo desaparece.


El encanto de Les Diaboliques va mucho más allá de su trama retorcida (que es retorcida como todos los diablos). Clouzot y Signoret son icónicas como mujeres fatales duales, una sensible y llena de culpa, la otra imperturbable y gélida, juntas en relaciones cada vez más bisexuales.zarre circunstancias y pensando en todas sus opciones impensables. Les Diaboliques te sumerge en una piscina de suspenso y sospecha, y te obliga a ahogarte en ella.


A todo el mundo le gusta pensar que su hijo es perfecto, aunque a veces haga cosas malas. Pero en el aparentemente idílico mundo suburbano de The Bad Seed, Rhoda, una niña de 8 años interpretada por Patty McCormack, no es solo un poco traviesa a veces. Es una asesina en serie que sabe cómo manipular a los adultos para que piensen que es un precioso angelito.


Un asesino en serie de niños es lo suficientemente aterrador en abstracto, pero el verdadero espectáculo de terror de The Bad Seed es ver a Nancy Kelly, interpretando a la madre de Rhoda, resistir y finalmente llegar a la impactante comprensión de que su pequeña niña es una asesina impenitente. Tanto McCormack como Kelly fueron nominados al Oscar por sus papeles, al igual que Eileen Heckart como la madre de una de las víctimas, pero Kelly se roba este espectáculo, quitando los pedazos de su cordura cuando se da cuenta de cuán malvado es realmente su propio ángel precioso. , y exponiendo una maraña de nervios en carne viva debajo.


En la extraña y grotesca ¿Qué pasó con Baby Jane?, el cineasta Robert Aldrich expone lo que parece ser un odio profundamente arraigado por la industria del entretenimiento, específicamente el costo de por vida que cobra a los jóvenes artistas. La película cuenta la historia de “Baby” Jane Hudson, una estrella infantil de la década de 1920 cuya carrera eventualmente pasó a un segundo plano frente a su hermana, Blanche, quien era la mejor actriz. Un trágico accidente dejó a Blanche paralizada, y Jane culpó de la tragedia, aceptando a regañadientes el papel de cuidadora involuntaria de su hermana.


Décadas más tarde, la casa de Hudson es un nido de ratas de resentimiento enconado. Blanche, interpretada por Joan Crawford, vive arriba como la misericordia de Jane, interpretada por Bette Davis. El abuso que sufre Blanche es impactante, y la decadencia de la psique de Jane es repulsiva, pero tanto Crawford como Davis están totalmente comprometidos a hacer que esta extraña vida mutuamente destructiva parezca plausible. Estas, argumenta la película, son las consecuencias más grandes que la vida de vivir más grande que la vida, y el espantoso destino que les sucede a estas hermanas se desarrolla como si hubiera sido arrancado de titulares particularmente lascivos, una historia sensacionalista que no podría ser y no debería ser. t ser, pero se siente totalmente cierto. Espectáculos fascinantes y terror lascivo te esperan.


Como cineasta, Samuel Fuller disfrutó empujando los límites narrativos, y en su thriller psicológico absolutamente eléctrico Shock Corridor prácticamente los atravesó. Peter Breck interpreta a Johnny Barrett, un periodista obsesionado con ganar el Premio Pulitzer, que se embarca en un atrevido plan para captar un titular. Irá de incógnito a una institución mental, vivirá entre los reclusos y llegará al fondo de un asesinato sin resolver.


Es el tipo de idea que suena inteligente sobre el papel, pero pone a Barrett en una posición desgarradora. Sin respaldo, sin un confidente, sin ninguna posibilidad de respiro o escape, se sumerge en un ambiente de abuso, paranoia y delirio, y cae repetidamente bajo el hechizo de sus compañeros de prisión. Si resuelve el asesinato se convierte en una preocupación secundaria; está atrapado en una batalla interminable por su propia cordura. Las actuaciones sobresalientes, la escritura inquietante y las imágenes atrevidas mantienen a Shock Corridor impactante más de 60 años después.


La simplicidad casi raída de Repulsión puede ser discordante. Catherine Deneuve interpreta a Carol, una joven que vive con su hermana Helen, que siente repulsión por el novio de su hermana, sus propios pretendientes y los elementos serviles de su vida que, en circunstancias normales, serían molestias menores. Cuando Helen abandona repentinamente la ciudad para una escapada romántica, Carol se ve abandonada a su suerte y de repente se encuentra sumida en sus propias ansiedades, fobias y, gradualmente, alucinaciones.


La mayor parte de Repulsión es simplemente Catherine Deneuve desgarrando los nervios en un apartamento y, sin embargo, eso solo hace que su descenso al horror psicotrópico parezca universal. Desprovisto de artilugios y engaños narrativos, Repulsión destaca las asociaciones subconscientes que tiene Carol, revelando una red de traumas no controlados y no diagnosticados a los que finalmente se le ha dado la oportunidad de desarrollarse, libre de las distracciones aparentemente no deseadas de otras personas.


Brian De Palma elaboró ​​la mayor parte de su carrera en torno a thrillers psicológicos laberínticos y frecuentemente sexuales fotografiados acrobáticamente. Pero aunque Dressed to Kill, Obsession, Body Double y Raising Cain son todas sorpresas estelares y vertiginosas, lo que destaca es su primera incursión en el suspenso hitchcockiano. Sisters es una delicia retorcida, grotesca e inesperada.


La historia de Sisters da muchos giros bruscos, comenzando con una divertida anécdota de voyeurismo, pasando por el amor juvenil y los celos, deslizándose hacia el asesinato y luego volviendo una vez más al voyeurismo. A partir de ahí, estamos en el territorio de Nancy Drew, como una joven y valiente reportera, interpretada por Jennifer Salt, que investiga un asesinato que está segura de que fue cometido por una aspirante a actriz, interpretada por Margot Kidder de Superman.o posiblemente su hermana gemela idéntica. Es decir, hasta el clímax de Grand Guignol de De Palma, donde las reglas se van por la ventana y también el misterio, como si el cineasta no pudiera esperar para mostrarte cuán inquietante y fascinante es su imaginación.


Uno de los thrillers psicológicos más extraños que jamás verás, y de una manera extraña uno de los mejores, es el inquietante clásico de culto The Baby de Ted Post. Esta inquietante historia cuenta la historia de una trabajadora social llamada Anne, interpretada por Anjanette Comer, cuya última asignación es la familia Wadsworth: una madre abusiva, dos hermanas abusivas y un hombre adulto llamado solo "Baby", que vive en una cuna, usa pañales, no puede hablar y cuyos cheques por discapacidad mantienen a flote a la familia.


Los horrores que soporta Baby a diario son aterradores, pero además, Anne comienza a descubrir que la condición de Baby puede ser exclusivamente el resultado del abuso de Wadsworth, y que podría ser capaz de vivir una existencia típica y autosuficiente. Solo cuando Anne decide rescatar a Baby nos damos cuenta de hasta dónde están dispuestos a llegar los Wadsworth para preservar su estilo de vida, y hasta dónde está dispuesta a llegar Anne para protegerlo. El bebé es extraño, audaz y espeluznante en extremo, y no va donde esperas.


A principios de la década de 1970, entre la realización de El padrino y El padrino II, Francis Ford Coppola dirigió uno de los mejores thrillers psicológicos jamás realizados. The Conversation está protagonizada por Gene Hackman como Harry Caul, un experto en vigilancia que graba una conversación entre dos jóvenes amantes y examina y vuelve a examinar el audio obsesivamente, pensando que puede haber descubierto un complot asesino.


Inspirada en la similar Blow-Up de Michael Antonioni, sobre un fotógrafo que sigue mejorando una imagen, pensando que es evidencia de un asesinato, la película de Coppola agrega paranoia gubernamental a la mezcla y destaca la existencia solitaria de un hombre que sabe cuán poca privacidad hay. en el mundo moderno, específicamente porque es muy bueno invadiéndolo. Es una pieza de carácter profundo, que presenta una de las actuaciones más matizadas de la carrera de Hackman y un thriller inteligente e inesperado sobre lo poco que sabemos, sin importar cuánto escuchemos.


La primera adaptación cinematográfica de las novelas de Hannibal Lecter de Thomas Harris, basada en la novela Red Dragon, profundiza más en el terror psicológico que cualquiera de las otras (al menos hasta que apareció el programa de televisión). Manhunter de Michael Mann está protagonizada por William Peterson como Will Graham, un perfilador del FBI que tiene tanto talento para meterse en la mente de un asesino que pierde su propia personalidad y se ahoga en la oscuridad. Will está tras la pista de "El Hada de los Dientes", un invasor hogareño asesino en serie con un modus operandi único, y una vez más comienza a perderse en su trabajo, a costa de su propia alma.


Aparece Hannibal Lecter, inexplicablemente llamado “Hannibal Lecktor”, e interpretado con una despreocupación encantadora por Brian Cox, cuya versión del personaje es más insidiosa y menos educada que la de los otros actores que han asumido el papel. Eso le da el poder de colarse en la mente de Will con más agilidad, hasta que están hablando por teléfono como adolescentes. Mientras tanto, mientras Mann saca a relucir la locura de su protagonista, explora la humanidad de su asesino, Francis Dollarhyde, interpretado por un increíblemente aterrador e increíblemente trágico Tom Noonan. Elegante, perspicaz y aterradora, y en algunos aspectos, quizás la mejor adaptación del trabajo de Harris hasta la fecha.


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“Espera un minuto”, le dice Jerry Blake a su esposa. "¿Quién soy yo aquí?" Él realmente lo dice en serio. Terry O'Quinn interpreta a Jerry, un asesino en serie que se insinúa en la vida de las madres solteras, se casa con ellas y trata de vivir la vida suburbana estadounidense perfecta. Cuando no logran estar a la altura de sus valores conservadores de la era Reagan, comienza a encantar a la próxima madre soltera, a vivir dos vidas simultáneamente y, finalmente, a asesinar a la familia que lo ofende.


El exquisito y aterrador thriller psicológico de Joseph Ruben cubre todos los ángulos: la sospecha de una nueva figura paterna, la hipocresía de la familia nuclear, la perversa logística de vivir múltiples vidas simultáneamente. Y en el centro de todo está O'Quinn, dando una actuación sin precedentes como uno de los monstruos más fascinantes del cine, quien realmente parece estar buscando lo que la cultura estadounidense le prometió, y quien parece completamente incapaz de entender que él estaba mentir a.


David Cronenberg pasó la mayor parte de su carrera explorando los terrores del cuerpo humano y nuestras desconcertantes obsesiones psicológicas con nuestra propia materia orgánica. Nuestros diversos órganos, incluido el cerebro, están inextricablemente vinculados, literal y temáticamente, y sus protagonistas y villanos los deforman con demasiada facilidad. Y si bien ha realizado varias películas clásicas en este sentido, quizás sea Dead Ringers la que se destaque como su mayor logro.


Jeremy Irons coprotagoniza junto a Jeremy Irons, como gemelos idénticos ginecólogos quecompartir el trabajo de los demás, la vida de los demás y, sin decirles, las mismas mujeres. Elliot es confiado y dominante, Beverly es tímida y sensible, y cuando comienzan una relación romántica con uno de sus pacientes, interpretado por Geneviève Bujold, la tensión se vuelve insoportable. Beverly se hunde en la depresión y la ilusión, imaginando a sus pacientes como mutaciones extrañas, y Elliot pronto se hunde en él, eligiendo vivir con su hermano, incluso al borde de la locura, sin importar el costo.


Irons ofrece dos actuaciones devastadoras, con una edición sutil e impecable que crea la ilusión inconfundible, utilizando técnicas anticuadas, de que de alguna manera se ha clonado a sí mismo. Dead Ringers es una maravilla técnica y un thriller psicológico sublimemente extraño y retorcido.


El absorbente thriller holandés Spoorloos (también conocido como The Vanishing) de George Sluizer cuenta la historia de una joven pareja en un viaje por carretera. En medio de una parada de descanso, Saskia (Johanna ter Steege) se disculpa para ir a buscar bebidas. Horas después, ella no ha regresado y Rex (Gene Vervoets) no puede encontrarla. Años más tarde, con el misterio aún sin resolver, Rex sigue obsesionado con resolver el misterio de su desaparición y hará cualquier cosa por encontrar una respuesta.


Es fácil entender la obsesión de Rex. No está tan claro qué ha hecho con ella el secuestrador de Saskia, Raymond (Bernard-Pierre Donnadieu), y mucho menos por qué. The Vanishing va y viene entre el gato y el ratón, provocando las respuestas y revelando la villanía cotidiana. Es absolutamente cautivador lo prácticos que pueden ser la imaginación grotesca y los ensayos monótonos de un crimen terrible, y al final de la película de Sluizer, nosotros también nos morimos por saber la solución a este insidioso rompecabezas. Y al igual que Rex, es posible que nos arrepintamos de haberlo preguntado.


George Sluizer rehizo su propia película en Estados Unidos en 1993, con Kiefer Sutherland y Jeff Bridges, y es un ejemplo de libro de texto de cómo Hollywood puede arruinar una historia brillante al enfocarse en complacer a una multitud en lugar de deleitarse con su tormento. Hagas lo que hagas, ¡mira el original en su lugar!


Jacob Singer es un cartero afable que se recupera de un trastorno de estrés postraumático después de una sangrienta gira por la Guerra de Vietnam. Su familia ya no está con él, su hijo murió hace años y apenas está juntando las piezas de su vida con su nueva novia... cuando ve un tentáculo en el metro. Y hombres misteriosos con caras borrosas. Todos los demonios del infierno parecen querer atrapar a Jacob Singer, pero ¿lo está afectando su trastorno de estrés postraumático o algo mucho, mucho más siniestro?


Adrian Lyne es un director conocido por su cine sensual, películas como Atracción fatal, Unfaithful, 9 1/2 Weeks y Deep Water de este año, pero en Jacob's Ladder parece ansioso por explorar lo opuesto a la atracción. La repulsión que Jacob, interpretado por un Tim Robbins impresionantemente vulnerable, siente por sus visiones presentes y su feo pasado impregna los sucios paisajes urbanos que lo rodean. Representan un Infierno creado por su propia mente, y al ver su historia estamos atrapados en el Infierno con él. La escalera de Jacob es una visión surrealista y cautivadora del horror psicológico; no debería sorprender que haya tenido una influencia directa en la franquicia de Silent Hill.


En el apasionante thriller grosero 301, 302 de Park Chul-soo, conocemos a un par de vecinos. Song-hee (Bang Eun-jin) vive en el apartamento 301 y es una aspirante a chef. Yoon-hee (Hwang Shin-hye) vive en el apartamento 302 y es una escritora con una fobia debilitante a la comida. Cuando Song-hee intenta ser amable cocinando deliciosas comidas a Yoon-hee, se ofende hasta el punto de obsesionarse cuando se da cuenta de que su vecino las ha estado tirando sin comer.


¿Por qué, oh por qué, a Yoon-hee le aterroriza la comida? Song-hee obtendrá las respuestas por todos los medios necesarios, y su historia toma giros salvajes e inesperados. Las respuestas que recibimos no son las respuestas que nadie podría desear y, a medida que los vecinos forman gradualmente una relación única, comenzamos a darnos cuenta de que estas dos personas probablemente nunca deberían haberse conocido, por el bien de la cordura, por el bien de la decencia. Pero por el bien de la audiencia, es una historia inusual y absolutamente fascinante de crueldad y dolor.


La cura de Kiyoshi Kurosawa puede muy bien ser el thriller psicológico más hipnótico jamás realizado, y literalmente. Cure cuenta la historia de un detective, interpretado por Kōji Yakusho, encargado de resolver una serie de asesinatos imposibles. En cada caso, una persona fue asesinada y el asesino se encuentra cerca, sin recordar qué sucedió ni por qué. La única conexión entre ellos es un vagabundo misterioso llamado Mamiya (Masato Hagiwara) que ni siquiera sabe quién es ni dónde está.


Lo que sí sabe, y lo que tanto Mamiya como Kurosawa emplean muy bien, son las técnicas de la hipnosis. Mamiya adormece a todos en su camino hacia un estado psicológicamente flexible, bajo el cual son lo suficientemente impresionables como para hacer casi cualquier cosa. Kurosawa también deja que la técnica se desarrolle para la audiencia, lo que le da a Cure una sensación única de esclavitud cinematográfica. Sus horrores son tranquilos. Sus males son under la piel y muy dentro de ti. Es una de las mejores películas de su tipo y uno de los pináculos del género de terror psicológico.


La demasiado corta carrera como director del animador japonés Satoshi Kon comprendía solo cuatro largometrajes antes de su muerte, todos ellos brillantes, así como la increíblemente ingeniosa miniserie Paranoia Agent. El thriller psicotrópico e inventivo Perfect Blue fue su debut, y sigue siendo un punto de inflexión para el género, presagiando ingeniosamente el techno horror, revelando los peligros de la cultura moderna de las celebridades y los peligros de perderse en su trabajo.


Perfect Blue cuenta la historia de un ícono de la música adolescente, Mima Kirigoe (Junko Iwao), que decide abandonar su extremadamente popular banda y seguir una carrera en la actuación. Para sus fans, que se niegan a permitirle cambiar o vivir su propia vida, es una traición personal. Para Mima, es una trampa hacia la inseguridad y una crisis de identidad; ¿Quién es ella realmente? ¿Es ella quien cree que es, quien todos los demás dicen que es, o quien interpreta en la televisión? ¿Y cómo es que hay un blog online que sabe todo lo que hace, y hasta lo que piensa mientras lo hace, si no lo publica ella misma?


Energético, creativo e influyente, y genuinamente aterrador, Perfect Blue dejó una huella en el género de suspenso y convirtió a Koa en un cineasta de cineastas, con directores como Darren Aronofsky y Christopher Nolan, ambos inspirándose directamente en sus imágenes distintivas y su estilo narrativo.


American Psycho es, en la superficie, una historia de asesinos en serie. Christian Bale interpreta a Patrick Bateman, un apuesto yuppie de la década de 1980 que trabaja en finanzas, cuida muy bien su cuerpo y vive una vida de lujo absurdo. También es homicida y, en el transcurso de la película, asesina a compañeros de trabajo, trabajadoras sexuales e incluso intenta introducir un gato en un cajero automático.


Pero la película de Mary Harron no es una mera saga de violencia y brutalidad. Es una comedia amarga e incisiva, en la que los horrores cometidos por Bateman se equilibran con el absurdo de su frágil ego. Aquí está un musculoso Adonis, un titán de la industria, cuya psique puede verse destrozada por la aparición de una tarjeta de presentación más elegante que la suya. Los horrores de American Psycho son claros y amenazantes, pero la verdadera pesadilla es la posibilidad de que incluso las fantasías más poderosas y violentas de Bateman no sean más que una fantasía machista e inmadura. O peor aún, que el mundo existe explícitamente para satisfacer las fantasías inmaduras y machistas, y permitir la peor y más patética marca de masculinidad tóxica.


Como sea que lo leas, American Psycho es un thriller psicológico desgarrador y una amarga acusación de las mentalidades que alimentan el llamado "Sueño Americano", específicamente de la masculinidad y el éxito.


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El segundo y gran avance de Christopher Nolan está protagonizado por Guy Pearce como Leonard Shelby, un hombre con amnesia anterógrada que no puede crear nuevos recuerdos. Como resultado, cada pocos minutos tiene que reorientarse y preguntarse dónde está y qué está haciendo. Colocar a ese hombre en medio de un misterio de asesinato es una trama ingeniosa. Editar la película en torno a su punto de vista, es decir, contar la historia en orden inverso escena por escena para que la audiencia también se reoriente constantemente, es más que brillante.


Memento no puede evitar sentirse como una "película de trucos", porque, por supuesto, eso es lo que es. El truco narrativo único es sin duda parte del atractivo de la película. Pero Memento no se duerme en los laureles y deja que el truco haga todo el trabajo. Es un drama trágico de ciclos y reveses, de traición y futilidad. El estado psicológico único del héroe impulsa la película en direcciones inusuales, pero la historia se mantendría si se contara en orden cronológico, un guion astuto que Nolan presenta impecablemente. Memento sigue siendo, quizás, la mayor maravilla del cineasta.


David Lynch cuenta historias al borde de la razón, generalmente inclinándose en la otra dirección. A veces solo hay una conexión tenue con la realidad de cualquier tipo, pero hay suficientes hilos que conectan las imágenes alucinatorias del cineasta y los eventos lógicos de los sueños con nuestras ansiedades universales para que parezcan poderosos en lugar de simplemente extraños. Blue Velvet, Eraserhead, Lost Highway y Twin Peaks: Fire Walk With Me son películas imperdibles para los entusiastas del género de suspenso psicológico, pero su obra maestra bien podría ser Mulholland Drive.


Y, francamente, es un pequeño milagro que la película funcione, ya que se reutilizó a partir de un piloto de televisión fallido, al que se le dio un final nuevo y completamente diferente para cerrar rápidamente todos los hilos. Naomi Watts interpreta a una ingenua joven e idealista que se muda a Hollywood y rápidamente se junta con un amnésico, interpretado por Laura Harring, quien puede estar huyendo de asesinos. Juntos navegan por el retorcido mundo de las conspiraciones de los estudios tras bambalinas, el mundo subterráneo de los sueños del teatro independiente y, lo más impactante, una revelación quedestruirlos.


Mulholland Drive es quizás el thriller más exitoso de Lynch, sea o no su mejor película, porque el nuevo final envuelve todo satisfactoriamente, sin llegar a explicar cuál era realmente la pesadilla detrás del restaurante. Proporciona las emociones que buscamos, la profundidad que anhelamos y los misterios inexplicables que posiblemente no podríamos resolver sin arruinar la mística.


Imagínelo: lo secuestran, lo colocan en un motel con nada más que un televisor como compañía y albóndigas para el desayuno, el almuerzo y la cena. Nunca se te permite salir, nunca tienes a nadie con quien hablar y nunca sabes por qué te han encarcelado. Y 15 años después eres inexplicablemente liberado y te dicen que tienes que resolver el misterio de por qué fuiste castigado.


Oldboy de Park Chan-wook es un montaje increíble, a la vez específico y empapado de lo desconocido. Como protagonista, Oh Dae-su (Choi Min-sik) cruza la delgada línea entre la víctima trágica y el héroe propulsor, abriéndose camino hacia su propio pasado para determinar qué mal atroz podría haber cometido para merecer tal destino. Y cuando la película finalmente revela su mano, presenta un concepto tan simple y radical que sorprende: ¿y si destruyes la vida de alguien sin tener idea de que lo hiciste?


Oldboy presenta una acción dinámica y una trama absolutamente asombrosa, y el clímax es inolvidable. El remake, dirigido por Spike Lee, parece una pálida imitación, hasta el final comparativamente feliz y hollywoodizado. El original es un clásico. Apégate a ello.


Georges y Anne son una pareja francesa corriente, de clase alta, que descubren, para su horror, que están siendo observados. Todos los días llega un video a su puerta, con imágenes del frente de su casa. Sin amenazas, sin mensaje, solo la clara obsesión de una persona por observarlos.


Lo que Georges, interpretado por Daniel Auteuil, y Anne, interpretada por Juliette Binoche, decidan hacer con esta información dice mucho de ellos. La suposición es que deberían sentirse culpables, que el pasado ha regresado para atormentarlos, pero ¿cuál pecado? Sin ninguna pista deciden escarbar en el pasado por su cuenta, y lo que encuentran es el miserable desecho de una vida llena de errores, como cualquier otra, donde la mezquindad y el egoísmo tuvieron consecuencias que no podrían haber imaginado.


Caché de Michael Haneke es escurridizo y misterioso, y la única solución que ofrece, al final, es tan sutil que es fácil pasarla por alto la primera vez. Pero es un rompecabezas fabuloso y paranoico de una película, uno que le habla a cualquiera con la capacidad de sentir culpa y vergüenza.


Gone Girl de David Fincher juega como una espeluznante novela de aviones, pero escondida debajo de la historia lasciva y la violencia cursi límite es una de las películas más amargamente observadoras del cineasta. Ben Affleck interpreta a un maestro, Nick, que está casado con Amy, interpretada por Rosamund Pike, quien inspiró una serie de libros para niños. No es un matrimonio feliz, así que cuando Amy desaparece repentinamente en circunstancias sospechosas, la campaña mediática se vuelve rápidamente contra Nick y lo convierte en el principal sospechoso, atrapándolo exactamente en el tipo de red opresiva de alto perfil que atrapó a Amy durante muchos, muchos años.


Sería un crimen revelar a dónde va Gone Girl, pero digamos que hay más en la historia, y Fincher y la guionista Gillian Flynn, adaptando su propia novela más vendida, tienen ideas más grandes que van más allá de los simples asesinatos y misterios. Gone Girl explota la idea del matrimonio, de vivir en público, de ser percibida como un objeto o un ícono. Rosamund Pike es fantástica al siguiente nivel en un papel multifacético, a la vez desgarrador, hilarante y trágico, y Affleck ofrece una de sus mejores actuaciones como un hombre manipulado sin cesar.


El largometraje debut de Aneesh Chaganty tiene lugar completamente en pantallas de computadora y pantallas de teléfonos celulares, un truco que Chaganty no inventó pero que muy bien podría haber perfeccionado. Buscando protagoniza a John Cho como un padre soltero cuya hija adolescente desaparece y que debe examinar todos sus chats privados, contactos y cuentas de redes sociales para investigar su desaparición.


Es una configuración inteligente para un thriller, implementada a la perfección con una edición astuta y una narración visual cuidadosa. Pero quizás lo más notable, debido a la posición de las cámaras, Searching se basa casi por completo en el rostro de John Cho para transmitir el núcleo emocional de su narración aparentemente simple. Ver a este hombre buscar a su hija desesperado y luego aceptar gradualmente que perdió a su hija hace mucho tiempo y que en realidad nunca la conoció en primer lugar, solo tiene un impacto porque Cho vende la historia con cada mirada, su sutil realizaciones y su creciente desesperación.


William Bibbiani es un crítico profesional que ha escrito para publicaciones como The Wrap, Fangoria, Collider y Bloody Disgusting, y presenta múltiples podcasts cada semana en The Critically Acclaimed Network. Es miembro de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, un conocedor deesotérica de la cultura pop, cinéfila de culto y fanática del cine de terror. Lo más importante es que le encantan las películas, maldita sea.


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